Huellas de identidad: cuando el arte comunitario nace del territorio

En los procesos de arte comunitario, crear no solo significa producir piezas artísticas: también implica escuchar el contexto, reconocer los materiales disponibles y abrir un espacio para que niñas y niños puedan expresarse desde su propio estar en el mundo. Eso fue lo que ocurrió en Proyecto CHAMACO, una experiencia en la que la huella y el trabajo colectivo se convirtieron en herramientas para construir identidad.

Crear desde lo que ya existe

Mi participación en Proyecto CHAMACO comenzó en 2025, beneficiado del FONCA a partir de una invitación para colaborar junto con Brisa Rossell Vázquez y Silvia Domínguez Fernández, dentro de un proceso coordinado por Mario Villa y Gabriela Medina Rangel. Desde las primeras reuniones de preparación, la intención fue clara: no llegar con una propuesta impuesta desde afuera, sino construir una intervención visual que partiera del entorno, de los recursos disponibles y de la experiencia de las y los participantes.

Trabajar desde lo local no significa limitar la creatividad. Al contrario, permite que el proceso artístico tenga raíces más profundas en la vida cotidiana de la comunidad. En vez de depender de herramientas sofisticadas o materiales difíciles de conseguir, la propuesta buscó aprovechar lo que ya estaba al alcance y convertirlo con el lenguaje artístico.

La huella como gesto de identidad

Una de las decisiones más importantes del proceso fue trabajar con acrílico sobre cartón a partir de improntas hechas con las manos. Sin lápices, pinceles o brochas, la creación partió del cuerpo mismo. La huella apareció así como un primer gesto gráfico y simbólico: una marca directa, personal y cargada de presencia.

Más que una técnica, esta decisión abrió una forma de representación accesible para todas y todos. La huella permitió comunicar desde lo inmediato, sin la presión de alcanzar una perfección técnica, y al mismo tiempo generó imágenes con una fuerte carga identitaria. Cada marca era también una afirmación de presencia dentro del proceso colectivo.

Un proceso flexible y compartido

La estrategia de trabajo se desarrolló en dos momentos. Primero, una etapa de sensibilización para explorar cómo reaccionaban el acrílico y el cartón, y después un espacio de creación con menos restricciones, donde el grupo pudo apropiarse de la técnica desde sus propias posibilidades. En ese tránsito, la metodología también tuvo que adaptarse sobre la marcha.

En el segundo momento del trabajo, la colaboración se volvió central. Algunas dinámicas surgieron de manera improvisada para facilitar que unas y unos participantes sirvieran de soporte a otros mientras se generaban huellas sobre cajas de cartón. Esa flexibilidad fue parte esencial del proceso: en proyectos comunitarios, crear también significa saber escuchar al grupo y ajustar el camino sin perder el sentido de fondo.

Del aula a la escena

Las piezas creadas no se quedaron como ejercicios aislados. Las cajas intervenidas formaron parte de la escenografía de El pulpo cocinero y El monstruo de la laguna, y más adelante también desarrollé las playeras de vestuario para cada estudiante, manteniendo la misma línea estética y pedagógica construida colectivamente.

El montaje final tomó como referencia visual el agua, el estanque y el mar. A partir de esas imágenes surgieron estructuras curvas inspiradas en las ondas y en el movimiento de los líquidos. De esta manera, la disposición espacial también se convirtió en un lenguaje capaz de ampliar el significado de las piezas y de dialogar con la escena.

Lo que deja una experiencia como esta

Entre los principales aprendizajes del proceso destaca la confirmación de que el contexto local puede ser una fuente poderosa de creación; que los materiales accesibles no reducen la potencia expresiva, sino que pueden fortalecerla; y que el papel del artista-docente no es imponer sentidos, sino orientar, afinar y sostener lo que el grupo es capaz de construir por sí mismo.

También quedó claro que trabajar desde lo local no está reñido con el rigor estético. Es posible crear propuestas visuales sólidas, sensibles y significativas sin desconectarse de las condiciones materiales de una comunidad. Cuando eso sucede, el arte no solo produce objetos: produce reconocimiento, pertenencia y nuevas formas de imaginarse colectivamente.

En tiempos en los que muchas veces se piensa el arte como algo distante o especializado, experiencias como esta recuerdan que la creación puede nacer de lo cotidiano, del territorio y de la escucha compartida. Ahí, en una huella sobre cartón, también puede comenzar una forma de nombrarse, de reconocerse y de construir comunidad.